Dieses Mal steckte David Bowie ein Lutscher im Auge

In diesem Sommer gab es viele Geschichten über Menschen, die während Konzerten Künstler mit Gegenständen bewarfen. Popstar Bebe Rexha wurde mit einem Handy ins Gesicht geschlagen, was ihr einen ganz besonderen Glanz verlieh. P!nk ließ einen Fan einen Beutel mit der Asche ihrer Mutter auf die Bühne werfen. All dies hat uns nur an einen Vorfall bei einem David Bowie-Konzert im Jahr 2004 erinnert.

Bowie spielte beim norwegischen Holzfestival in Oslo. Während der Show wurde ein Lutscher auf die Bühne geworfen. Irgendwie stieß es Bowie in sein linkes Auge und blieb in der Augenhöhle stecken. (Jemand konnte ein Foto des Lutschers machen, der in Bowies Auge steckt. Wenn Sie es sehen möchten, klicken Sie hier.)

Verständlicherweise war Bowie nicht allzu erfreut. Er versuchte, den Fan aufzuspüren, der den Lutscher warf, konnte ihn aber nicht finden. In einer Audioaufnahme des Vorfalls sagte Bowie, nachdem er sich etwas abgekühlt hatte, dass der Lutscher sein krankes Auge getroffen habe. Er riet den Fans jedoch: „Bitte behalten Sie Ihre Zuneigung für sich.“

Dies soll Sie noch einmal daran erinnern, es zu unterlassen, Künstler auf der Bühne mit Gegenständen zu bewerfen. Es ist nicht nur unhöflich, es kann auch im wahrsten Sinne des Wortes dazu führen, dass Sie jemandem die Augen ausstechen.

Der Tod von David Bowie liegt einige Jahre zurück und es fühlt sich immer noch irgendwie schockierend an. Sein Katalog bleibt jedoch so relevant und einflussreich wie eh und je, sodass es schwierig war, seine besten Songs auszuwählen.

Wir haben die Parameter ein wenig erweitert, einschließlich Songs, die er für andere Künstler geschrieben hat (Iggy Pop und Mott the Hoople); Tin Machine war ein faires Spiel, ebenso wie Remixe seiner Songs und auch Kollaborationen. Und wie immer war es schwierig, die Liste bei 40 zu streichen, sodass einige unserer Favoriten den Schnitt knapp verpasst haben.

Ein Cover eines Liedes von einem Typen namens Ron Davies (Three Dog Night hat es auch gecovert), es fühlt sich auf „Ziggy“ etwas fehl am Platz an, aber was für ein rockiger Jam. Gitarrist Mick Ronson brilliert hier wirklich.

Nach zwei Alben mit der ausgefallenen Rockband Tin Machine veröffentlichte Bowie 1993 das R&B/Jazz-Album „Black Tie White Noise“, das ihn mit dem „Let’s Dance“-Produzenten Nile Rodgers wiedervereinigte. Aber für die Nachfolge wurde er seltsamer und elektronischer, als er sich wieder mit Brian Eno, einem Mitarbeiter der „Berlin-Trilogie“, zusammentat. Zufälligerweise hatten die Nine Inch Nails zu dieser Zeit einen großen Einfluss auf Bowie, und NIN-Anführer Trent Reznor war ein großer Bowie-Schüler. Dieser Remix machte Bowie einem viel jüngeren Publikum zugänglich (ebenso wie die Tour, bei der Bowie und NIN gemeinsam als Headliner auftraten).

Der Eröffnungstrack von Bowies äußerst erfolgreichem Comeback-Album. Produzent Nile Rodgers glaubte, dass Bowie ein Album wie sein Album „Scary Monsters (And Super Creeps)“ aus dem Jahr 1980 machen wollte, und war überrascht, dass Bowie etwas kommerzielleres wollte. Es stellte sich heraus, dass es Bowies größtes Album aller Zeiten war.

Auf dem Album „Young Americans“ vollzog Bowie einen scharfen Rechtsschwenk vom Rock zur Soulmusik, und der Titelsong bescherte ihm seinen ersten Top-40-Hit in den USA

Bowies letzter geradliniger Glam-Rock-Hit, bevor er sich auf der anschließenden Tour (aufgenommen auf „David Live“ von 1974) und dem Album „Young Americans“ von 1975 in eine Soul-Richtung bewegte, enthält eines der besten Riffs auf einem Bowie-Song. Mick Ronson hatte Bowie zu diesem Zeitpunkt verlassen; Bowie spielte das Riff selbst.

Nach zwei Alben, die erfolglos versuchten, den Erfolg von „Let's Dance“ zu wiederholen – „Tonight“ von 1984 und „Never Let Me Down“ von 1987 – hatte Bowie es satt, in die Pop-Charts zu schießen. Er verkündete, dass seine Solokarriere beendet sei und seine neue Band, Tin Machine, seine Zukunft sei. Niemand (wahrscheinlich nicht einmal seine Bandkollegen) glaubte das, aber auf dem selbstbetitelten Debüt von Tin Machine hat er definitiv sein Mojo zurückgewonnen. „Under The God“ war der erste Song, den die meisten Leute von dem Album hörten, und er brachte ihn von der erwachsenen zeitgenössischen Spur weg und hin zu härteren – und jüngeren – Acts wie Soundgarden, Living Color und Faith No More.

Jahrelang hatte Bowie Lobgesänge auf die Pixies gesungen, und bei „Heathen“ sang er schließlich eines ihrer Lieder. Es war das klare Highlight des Albums.

Einer von Bowies geradlinigsten Bluesrockern zeigt eine Figur, die von Stooges-Frontmann Iggy Pop inspiriert wurde, der einen großen Einfluss auf Bowie hatte (und ein zukünftiger Kollaborateur war). Wie bei vielen Teilen des „Aladdin Sane“-Albums gibt es einen großen Stones-Einfluss.

Aus Iggy Pops zweitem Soloalbum, das von Bowie produziert wurde. Bowie war Co-Autor dieses Liedes, sang sehr markante Backing-Vocals und spielte Gitarre und Keyboards. Die Faszination von Iggy und Bowie für osteuropäische Tanzmusik ist in diesem Lied allgegenwärtig.

Es ist sicherlich eines der größten Kollaborationen/Duette in der Rockgeschichte, und der Text lautet: „Können wir uns nicht noch eine Chance geben?“ Warum können wir der Liebe nicht noch eine Chance geben?“ ist heute so resonant wie eh und je.

Einer der zugänglichsten Songs aus der „Berlin-Trilogie“ von Alben, die er mit dem Produzenten (und ehemaligen Roxy Music-Mitglied) Brian Eno gemacht hat. Es ist einer der besten und funkigsten Songs darüber, nichts zu tun zu haben. „Nichts zu tun, nichts zu sagen/Blau, blau/Ich werde mich sofort hinsetzen/Warten auf die Gabe von Ton und Bild.“

Ein Proto-Metal-Song mit Texten, die von Dylans früher Ära inspiriert zu sein scheinen. „Ich stieß auf ein Monster, das an einem Baum schlief./Und ich schaute und runzelte die Stirn und das Monster war ich/Nun, ich sagte ‚Hallo‘ und ich sagte ‚Hallo‘/Und ich fragte ‚Warum nicht?‘ und ich antwortete ‚Ich weiß es nicht‘/Also fragten wir einen einfachen schwarzen Vogel, der so glücklich war wie nur möglich/Und er lachte wahnsinnig und witzelte ‚KAHLIL GIBRAN‘“, eine Anspielung auf einen libanesischen Dichter.

Wie „Heroes“ wird es von der großartigen Gitarre von Robert Fripp von King Crimson unterstützt, und wie in vielen von Bowies Liedern geht es um Wahnsinn: „Als ich ihr in die Augen sah, waren sie blau, aber niemand war zu Hause ... Jetzt ist sie dumm auf der Straße und sie kann keine Kontakte knüpfen.“

Ein Hardrock-Jam mit Bowie auf der Mundharmonika über einen alternden Star, der Sex mit einer Prostituierten hat. Hey, es ist nur Rock'n'Roll.

Dieser Remix war Bowies zweite Zusammenarbeit mit Trent Reznor von Nine Inch Nails (einem der beliebtesten und renommiertesten Rockkünstler der Ära). Renzor spielte das Lied anschließend auf den Tourneen von Nine Inch Nails.

Ursprünglich von Bowie 1971 mit einer Band namens Arnold Corns aufgenommen, war die bessere Version eindeutig die mit den Spiders From Mars, die er in der späteren Version namentlich erwähnt („Well, the bitter gets out better on a stolen Guitar/You“). „Wir sind die Seligen, wir sind die Spinnen vom Mars“).

Das letzte Lied der letzten Show der „Ziggy Stardust“-Tour 1973. Bowie leitete das Lied mit den Worten ein: „Es ist nicht nur die letzte Show auf der Tour, sondern auch die letzte Show, die wir jemals machen werden.“ Die Menge schrie „Nein!“ Es wäre jedoch nicht das letzte Mal, dass Bowie „in den Ruhestand ging“. Dennoch war es eine großartige Leistung, mit der er diese Phase seiner Karriere beendete.

Eine schnulzige Ballade, die Bowies zweiter Hit wurde, ein paar Jahre nach seinem ersten („Space Oddity“). Bowies legendärer Auftritt in der britischen Show „Top of the Pops“ hatte offenbar großen Einfluss auf zukünftige Rock- und Popstars wie Bono, Robert Smith of the Cure und Boy George.

Ein Lied, das angeblich auf Geschichten über Detroit basiert, die Iggy Pop Bowie erzählte, zu einem sehr Bo Diddley-artigen Beat, gespielt von Mike „Woody“ Woodmansey am Schlagzeug und dem zukünftigen Journey- und Whitesnake-Mitglied Aynsley Dunbar am Schlagzeug.

Bowies Cover des Velvet Underground-Klassikers. Es heißt, dass die Velvets nicht viele Platten verkauften, aber jeder, der eine kaufte, gründete eine Band, und Bowie ist sicherlich einer der berühmtesten Velvet-Schüler. Später produzierte er das klassische Album „Transformer“ von VU-Frontmann Lou Reed.

Ein Doo-Wop-Song über eine Zukunft, in der die Leute irgendwie vergessen haben, wie man Sex hat, also hören sie sich die Rolling Stones an und schauen sich alte Pornovideos an, um es herauszufinden. Kein schlechter Plan! „Und versuchen Sie, es so hinzubekommen wie einmal zuvor/Als die Leute in Jaggers Augen die Hauptrolle spielten und punkteten/Wie die Videofilme, die wir gesehen haben!“

Ursprünglich dauerte die Länge mehr als elf Minuten, aber Bowie verkürzte die Länge auf 9:58, als er erfuhr, dass der iTunes Store keine Singles verkaufte, die länger als zehn Minuten dauerten. Einer von Bowies seltsamsten und am wenigsten kommerziellen Songs, was Sinn macht. Er schien zu wissen, dass ihm während der Arbeit an dem Album nicht mehr viel Zeit blieb, also wollte er wahrscheinlich, dass sein letztes Werk etwas war, mit dem er zufrieden war, als seine letzte Verbeugung.

Mit einem der großartigsten Auftritte des Pianisten Rick Wakeman (später von Yes), laut BBC: „1968 hatte Bowie englische Texte für ein französisches Lied namens ‚Comme, D'Habitude‘ geschrieben und seine Version ‚Even A.‘ genannt.“ „Der Narr lernt lieben.“ Es wurde nie veröffentlicht, aber kurz darauf hörte Paul Anka die Originalversion, kaufte die Rechte und schrieb sie in „My Way“ um. Bowie hat „Life On Mars?“ aufgenommen als Sinatra-Parodie aus Wut darüber, ein Vermögen verpasst zu haben, obwohl es in den Liner Notes zu „Hunky Dory“ heißt, dass das Lied lediglich „von Frankie inspiriert“ wurde. Man kann sich kaum vorstellen, dass Ol' Blue Eyes singt: „Mickey Mouse ist erwachsen geworden eine Kuh“, allerdings.

Apropos Szenerie: Der Eröffnungstrack von „The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars“ macht den Anfang, indem er der Erde mitteilt, dass sie nur noch fünf Jahre Zeit hat, bevor sie durch eine Katastrophe zerstört wird.

Die Lead-Single seines Comeback-Albums „Let's Dance“ erreichte die Spitze der Pop-Charts, hatte aber auch großartiges Gitarrenspiel, dank eines jungen, aufstrebenden Mannes namens Stevie Ray Vaughan.

Wie Bowies Gitarrist und Mitarbeiter Reeves Gabrels einmal in einem Interview verriet, entschied sich Bowie für sein Album von 1999: „Ich möchte Musik für meine Generation machen“ und wollte, dass die R&B-Gruppe TLC die Backing-Vocals für diese sträflich übersehene Ballade singt . „Ich war Davids Freund und sein Gitarrist, musikalischer Leiter und Co-Produzent, aber ich war auch ein Fan“, sagte Gabrels. „Ich hatte das Gefühl, ich würde sein ‚Ding‘ beschützen. Ich wollte sicherstellen, dass er cool bleibt und in Verbindung bleibt. Er war ein unersättlicher Verfolger neuer Dinge. Aber nicht jede neue Sache [sollte verfolgt werden].“ Holly Palmer übernahm schließlich die Backing-Vocals für den Song.

Die letzte zu Bowies Lebzeiten veröffentlichte Single war eine seiner besten; Das Video erschien, wie auch das „Blackstar“-Album, nur wenige Tage vor seinem Tod und das Lied scheint mit Blick auf seinen bevorstehenden Tod geschrieben zu sein. Es war eindringlich, als wir es zum ersten Mal hörten, und jetzt ist es noch gruseliger.

1977 war ein unglaublich produktives Jahr für Bowie; Neben der Veröffentlichung seines klassischen Albums „Low“ produzierte er auch die ersten beiden Soloalben des ehemaligen Stooges-Sängers Iggy Pop, „Lust For Life“ und „The Idiot“. Ersteres begann mit dem Titeltrack, der wahrscheinlich Iggys beliebtester Solo-Jam ist. Bowie war Co-Autor des Liedes (manchen Geschichten zufolge auf einer Ukulele) und spielte Klavier darauf; Der unverwechselbare Motown-ähnliche Beat wurde von Hunt Sales, Bowies zukünftigem Tin Machine-Bandkollegen, gespielt. Fast zwei Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung erhielt es ein zweites Leben, als es in „Trainspotting“ mit großer Wirkung eingesetzt wurde. Und dann gelangte es zu einem noch größeren Publikum, als es in Werbespots von Royal Carribean verwendet wurde.

Das Album „Station To Station“ markierte eine von Bowies stilistischen Wendungen: Er orientierte sich an den Soul-/R&B-Sounds von „Young Americans“ und ließ sich hier stärker von elektronischer Musik wie den deutschen Bands Kraftwerk und Can beeinflussen. „Station To Station“ ist einer seiner experimentellsten und mit über 10 Minuten längsten Songs.

In den frühen 70er Jahren war Bowie von den Rolling Stones besessen. Das wird bei „Aladdin Sane“ deutlich, wo ein Cover von „Let's Spend The Night Together“ zu sehen ist. Aber selbst das klingt nicht so versteinert wie „Watch That Man“.

Als einer von Bowies besten Hardrock-Songs hätte er ein Radiohit auf Augenhöhe mit „Suffragette City“ und „Ziggy Stardust“ werden sollen. Aber auch wenn es in den 70er Jahren nicht auf Sendung ging, schaffte es es doch in den Soundtrack von „Guardians of the Galaxy“ (wenn sich unsere Helden der Bergbaukolonie „Knowhere“ nähern).

Inspiriert von „A Clockwork Orange“ (der Begriff „Droogie“ und die Zeile „Wham, Bam, Thank You, Ma'am“ stammen beide von „Clockwork“) kombinierte es die Hardrock-Sounds, die die 70er Jahre dominierten, mit Retro-Sounds Kleines Klavier im Richard-Stil und futuristisch klingende ARP-Keyboards.

Es ist schwer vorstellbar, dass eine Band „Suffragette City“ ablehnen würde, wenn David Bowie es ihnen anbieten würde, aber genau das haben Mott The Hoople getan. So verrückt das auch erscheinen mag, sie bekamen einen besseren Song (oder zumindest einen, der besser zu ihnen passte), als Bowie mit „All The Young Dudes“ zurückkam, was bei weitem ihr größter Hit war. Während Bowie das Lied im Laufe der Jahre auf seinen Konzerten aufführte, passt das Lied besser zu Motts Frontmann Ian Hunter als zu Bowie.

Ging es um Bowie oder ging es um uns? Eigentlich beides. Auf einer seiner ersten Singles ließ er uns wissen, dass er nicht lange im Groove bleiben würde und tatsächlich im Laufe der Jahre alle paar Alben seinen visuellen und musikalischen Stil änderte und uns bis zum Ende herausforderte. Aber „Und diese Kinder, auf die du spuckst/Während sie versuchen, ihre Welt zu verändern/Sind immun gegen deine Konsultationen/Sie sind sich ziemlich bewusst, was sie durchmachen“ galt für jede neue Generation, ebenso wie „Pass auf, Ihr Rock'n'Roller.

Der Mann, der nur ein paar Jahre zuvor „Aufstieg und Fall von Ziggy Stardust und die Spinnen vom Mars“ drehte, war eindeutig ein Typ, der nach Ruhm strebte, auch wenn dieser unter dem Decknamen Ziggy geführt wurde. Doch 1975 hatte Bowie die Strapazen des Ruhms satt, nicht zuletzt den Rechtsstreit mit einem Ex-Manager. Das war etwas, worüber John Lennon – der Bowie und der Gitarrist Carlos Almoar das Lied gemeinsam geschrieben haben – etwas wusste. Es handelte sich um einen der funkigsten Songs, die entweder von Bowie oder (vor allem) von Lennon aufgenommen wurden, und es war Bowies erster Nummer-1-Hit in den USA.

Einer der wenigen Bowie-Songs, die keinen großen Einfluss auf die Charts hatten, aber in den Jahren nach ihrer Veröffentlichung an Gewicht gewannen. In diesem Fall war es Nirvanas Cover aus ihrer Folge von „MTV Unplugged“, das den Song schließlich Millionen Menschen vorstellte; Damals hätte man es als obskur bezeichnen können. Jetzt ist es eine Ikone.

Mit Major Tom in der Hauptrolle, einer Figur, die er in „Ashes To Ashes“ aus den 1980er Jahren, in „Hallo Spaceboy“ aus dem Jahr 1995 und möglicherweise in Bowies letzter Verbeugung, dem Video zu „Blackstar“ von 2015, wieder aufgegriffen hat. Inspiriert durch den Film „2001: A Space Oddity“ handelte das Lied sowohl von Isolation und Wahnsinn als auch von Science-Fiction. Die unheimliche Atmosphäre des Liedes wurde durch das Mellotron verstärkt, das vom zukünftigen Yes-Keyboarder Rick Wakeman gespielt wurde.

Bowie war der Rockstar schlechthin, aber in diesem Song teilen er – und seine Figur Ziggy Stardust – das Rampenlicht mit Mick Ronsons ikonischem Gitarrenriff. In der Tat könnte dieses Riff einige Programmierer von dem „gut bestückten“ bisexuellen Alien-Rockstar mit der „schneeweißen Bräune“ und den „verkniffenen Augen und der heruntergekommenen Frisur“ abgelenkt haben, der „sie durch Lächeln lecken konnte“. ”

Bowie war nie ein nostalgischer Typ und ließ im Laufe seiner Karriere musikalische und visuelle Stile (und Bandmitglieder) im Staub. Daher war es eine kleine Überraschung, als er in „Ashes To Ashes“ „Major Tom“ aus seinem ersten großen Hit „Space Oddity“ noch einmal aufgriff und feststellte, dass seine Geschichte kein gutes Ende nahm.

Es war nie ein Hit, und dennoch wird es als Hymne betrachtet, und das passt: Bowie schien sich nie darum zu kümmern, sich den aktuellen Pop-Charts zuzuwenden, obwohl er immer nach dem Status einer Ikone zu streben schien. Und auch wenn Sie nicht der Meinung sind, dass es sein schönster Moment ist, ist es sicherlich einer von Bowies größten Songs. Der Song wurde zusammen mit dem Produzenten Brian Eno geschrieben und von der unverwechselbaren Gitarrenlinie des King-Crimson-Gitarristen Robert Fripp angetrieben. Er ist so etwas wie ein Rorschach: Der Text ist vage genug, um alles zu bedeuten, was Sie wollen. Daher wurde es als Hymne für Schwule gefeiert, aber die National Review bezeichnete es als einen der größten konservativen Rocksongs aller Zeiten. Die Zitate sind übrigens Teil der Schreibweise des Liedtitels; sie sollten offenbar auf Ironie hinweisen. Aber was auch immer Bowies Interpunktionsmotivation sein mag, Fans auf der ganzen Welt nehmen den Song ernst.

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